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como conocer nuevas personas por internet 7 dias en Entebbe
2018 107 min. Reino Unido. Dirección: José Padilha.
Guion: Gregory Burke. Música: Rodrigo Amarante.
Fotografía: Lula Carvalho.
Reparto: Rosamund Pike, Daniel Brühl,  Eddie Marsan, Ben Schnetzer,  Kamil Lemieszewski, Denis Menochet,  Mark Ivanir,  Natalie Stone. Género.Thriller.
Salas: Cinesa y Peñacastillo.

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Es una película de enunciados y de subrayados. El compromiso y las militancias que discurren y subyacen en esta historia ponen sus cartas boca arriba amparados en la etiqueta de ‘basada en hechos reales,‘ en la inclusión de algunas imágenes documentales sin manipular y en muchos diálogos que caen en lo impostado y en lo discursivo. ‘7 días en Entebbe’, pese a la fuerza intrínseca del acontecimiento –el secuestro en los setenta de un avión de Air France con 248 pasajeros a bordo por dos palestinos del Frente Popular para la Liberación y dos alemanes de las Células Revolucionarias, desviado al aeropuerto de Entebbe, en Uganda, es un filme frío, muy poco empático, realizado desde un distanciamiento  que lo que, en otras ocasiones, hubiera sido sano, se vuelve aquí rotundamente impersonal. Ninguno de los actores parece creerse el ejercicio de implicación ideológica, de verdad histórica y de mirada interpretativa que se presupone a una recreación de esta características. Por contra todo es epidérmico y carente de intensidad. Incluso José Padilha, el cineasta que irrumpiera con fuerza con la excelente ‘Tropa de élite’, falla también en ese lado violento, más físico, de acción y pasión. Su manera de rodar el tramo final, desencadenante, al que dirige todo el punto de mira el filme y la historia con mayúsculas, resulta anodino y afectado, confuso y sin gancho. Antes el director salpica el desarrollo argumental de diálogos y monólogos en los que asoman eslóganes, justificaciones políticas y declaraciones ideológicas como quien lee un manual al uso o repasa los mandamientos de una determinada militancia, recitados por los intérpretes. Frente a cualquiera de los retratos recientes enraizados en el terrorismo internacional la nueva película del director del último ‘RoboCop’ carece de tono narrativo y de personalidad visual. Parece mentira que situándose entre unos hechos pantanosos, enraizados en lo visceral, en la tensión y en la propia trascendencia global histórica, el filme se revele tan plano, frío, tedioso y distante. La progresión dramática, esencial en toda reconstrucción, brilla por su ausencia. El filme vive en las afueras de lo que cuenta, en la periferia de los hechos y en los márgenes de los personajes. Incluso esa metáfora de un espectáculo de ballet paralelo, durante casi todo el metraje, al acto terrorista, se antoja superfluo, afectado y en su estiramiento reiterativo hasta el final, casi ridículo. Una obra, pese a sus mimbres, atorada y acartonada como los restos de una filmación caduca, carente de la magia del montaje e ignorante de lo inflamable de los materiales que maneja.
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Game Night 2018 98 min. EE UU.
Dirección: John Francis Daley,  Jonathan Goldstein.
Guion: Mark Perez. Música: Cliff Martinez.
Fotografía: Barry Peterson.
Reparto: Jason Bateman,  Rachel McAdams,  Kyle Chandler, Sharon Horgan, Jesse Plemons, Billy Magnussen, Kylie Bunbury.
Género: Comedia. Salas: Cinesa y Peñacastillo.

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Es jugona y distribuye los gags entre pases, regates y retención de la comicidad hasta el estreñimiento. Funciona por chispazos y por la química de su pareja protagonista, aunque aspire al golpe coral, pero es desprecoupada con el conjunto e irregular en el ritmo. Las grandes comedias poseen latidos y relámpagos de ingenio pero sobre todo fundamentan su deslumbamiento en una receta secreta, esa confluencia de talento y azar entre la inspiración, el cuidado de todos los factores y el punto de locura tan indefinido como rotundo. Aquí el enredo, que tiene más de vodevil de Arniches que de comedia sofisticada, se atasca en ocasiones en su propio deseo de crecer en su jugada y le falta casi siempre rematar para haber convertido el juego de mesa en un verdadero ‘cluedo’ con sus asesinos y sospechosos intercambiando cuerpos y sospechas. John Francis Daley y Jonathan Goldstein emprendieron su vuelo con ‘Vacaciones’ que también buscaba ese fondo de locura coral y se quedaba en mera gracieta casera. En ‘Noche de juegos’ que enseguida muestra sus cartas marcadas a tumba abierta, la confusión es el eje de una intriga criminal con mucho idiota dentro. La resurrección en pantalla de Agatha Christie está aún caliente, especialmente con la lamentable ‘La casa torcida’, de modo que pueden establecerse alguna concomitancias con este historieta de Adams y Bateman sorteando malas decisiones y jugando a lo gamberro cuando el guión no da más de sí. Pero el filme está mas cerca de comedias como ‘La cena de los acusados’ aunque vaya de una especie de ‘The game’ disfrazado de personajes estúpidos que facilitan cierta parodia pedante. Esta ambigua posición que ni acaba de inclinarse por la demencia y el disparate feroz ni por la sátira hace que ‘Noche de juegos’ entre en un bucle un tanto ensimismado, sólo salvado por la soltura de los intérpretes. No obstante, el jugo/juego gástrico de la comedia reside en las relaciones entre hermanos y de pareja que se halla en los cimientos de la historia pero a los que nunca se les saca el suficiente partido. La bufonada, con vecino policía tontorrón incluido y animal de compañía, saca la cabeza a borbotones y abusa de los giros inesperados cuando la gracia ya se ha derramado antes sin querer o sin control. Una comedia que busca la complicidad del thriller para arropar sus gags y justificar sus situaciones, que exprime los saltos argumentales hasta prolongarlos en los títulos de crédito y que se desarrolla con ambigüedad entre el disparate, el gesto fugaz de hilaridad y el tiro de gracia de sus protagonistas.
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2016 129 min. Islandia. Dirección y Guion: Guðmundur Arnar Guðmundsson.
Música: Kristian Eidnes Andersen. Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen.
Reparto: Baldur Einarsson,  Blær Hinriksson,  Arnar Jónsson,  Søren Malling, Nína Dögg Filippusdóttir,  Sveinn Ólafur Gunnarsson,  Nanna Kristín Magnúsdóttir.
Género: Drama. Salas: Groucho

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Llega un momento en este tinerario tan desolado como hermoso en que el paisaje salvaje de Islandia y los retratos interiores, siempre heridos, de los adolescentes protagonistas se funden en sus límites y comparten extremos. Contemplativa y  morosa, quizás en exceso, ‘Heartstone (Corazones de piedra)’ es una ópera prima que brilla por su madurez, por su ritmo a contracorriente y por la sabiduría con que se maneja el tempo y la expresión de sus personajes, gracias a la excelencia de quien los encarnan. Es curiosa la paradoja visual, de culturas, paisajes y caracteres que pueden propiciar el juego comparativo con la reciente ‘Call me by your name’, de Luca Guadagnino, entre su sensualidad, el despertar iniciático y el humanismo culto, y esta desolada, dura y desnuda naturaleza que envuelve a sus criaturas. El debutante Gudmundur Arnar Gudmundsson, uno de los representantes de un nuevo movimiento de cine islandés, no tiene prisa. Crea un estado latente de pulsiones sexuales, ansias de libertad, claustrofobia física y opresión sexual en el que destaca ese contraste entre la naturaleza desnuda, abierta y primigenia, como esos acantilados donde acontece una de las secuencias sutiles de poética y dolor, y el desequilibrio emocional y la distorsión sentimental. Oscura, con momentos de enorme sensibilidad a la hora de describir las fronteras inasibles entre la niñez, la adolescencia y los resquicios de vida adulta, la cinta crece pausada como un magma que parte de la iniciación, se diluye en una comunidad asfixiante y un entorno enquistado en una serie de costumbres, reacciones y mecanismos de defensa y la intolerancia. En ‘Heartstone’ cada personaje debe casi sangrar las emociones para salir victorioso de una geografía de soledad y desamparo. Lo verdaderamente atractivo del filme reside en sus sutilezas, en los detalles, en el juego de miradas y silencios cómplices de sus jóvenes protagonistas. Dolor, compasión y ese clima imperceptible que discurre en las entrañas convulsas y los disturbios que se adentran en un ecosistema de familiar desestructuradas, acoso y confusión. Hay un juego de identificación permanente entre la naturaleza volcánica y la erupción sensual. Un juego translúcido y opaco en el que se debaten caricias redentoras, placeres desvelados y vértigos dramáticos.
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mujeres solteras en janesville wi conocer chicos y chicas Un lugar tranquilo

A Quiet Place 2018 95 min. EE UU.
Dirección: John Krasinski. Guion: Scott Beck, Bryan Woods, John Krasinski.
Música: Marco Beltrami. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen.
Reparto: Emily Blunt,  John Krasinski,  Millicent Simmonds,  Noah Jupe,  Cade Woodward, Leon Russom, Doris McCarthy.
Género: Terror. Salas: Cinesa y Peñacastillo.

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Una película que, en tiempos de ruido constante y superfluo, reivindica el silencio como factor de supervivencia ya es un monumento. Si a ello sumamos su dominio narrativo, su potencia visual y ese pulso tan necesario como eficaz, puede decirse que estamos ante una de las grandes sorpresas de la temporada. ‘Un lugar tranquilo’ no sólo es una historia atractiva sino que impone un sentido de la mirada, explota la intensidad de los sentidos, fluye sin ceder ante los estereotipos y, a excepción de algunos momentos de endeble perfil psicológico, es de esos cada vez más raros casos en los que se trata al espectador con respeto. El artífice de esta burbuja, con tintes de parábola, pero sin pretenciosidad, y atmósfera apocalíptica, es John Krasinski, actor, director y coguionista sobre el que habrá que situar el foco en los próximos años. Tras dos curiosidades nada desdeñables, ‘Entrevistas breves con hombres repulsivos’ y ‘Los Hollar’, llega esta joyita en la que triunfa el desasosiego, los miedos más primarios, la ansiedad y una llamada de solidaridad frente a lo que acecha como una sombra continua de muerte. Krasinski, a excepción de su limitado trabajo como actor, contrarrestado por una magnífica Emily Blunt, planifica con rigor, maneja con destreza las situaciones límite y siempre subordina lo evidente de tal modo que aquello que discurre de manera sumergida, en sombra o entre presagios y elipsis, es lo más importante. El relato evita la grasa de los datos y opta por las pistas y por la especulación entre titulares de viejos periódicos y deducciones que el espectador puede realizar a través del comportamiento de esta familia de supervivientes. El terror es un estado, una geografía en sí mismo, y así lo entiende el cineasta que elude detener la acción para explicar lo obvio, nunca renuncia al suspense y se recrea en el duelo, el dolor y la redención y la culpa sin amarillismos ni gore gratuito. Secuencias como la del parto, la del silo o la de la niña y la criatura entre los maizales y sus caminos de ceniza constituyen una serena y madura caligrafía emocional. Además, estamos ante una partitura en la que se conjugan con sabio equilibrio la banda sonora y el diálogo entre silencios y efectos de sonido. Es un filme que juega con la ansiedad, que estremece y que obliga a mantener la boca cerrada y eso, que es sagrado en un cine, cada vez es más difícil de conseguir en las salas. Claustrofóbica y angustiosa, sin caer en la caricatura o la hipérbole, rebosa talento y mata las dudas callando. Un ejercicio de estilo, sí, pero también uno de los escasos ejemplos respetuosos con el terror como ecosistema de nuestras debilidades y grandezas.
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sitio de citas para niños de 12 Las leyes de la termodinámica
2018  País España. Dirección y guion: Mateo Gil.
Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Sergi Vilanova.
Reparto: Vito Sanz,  Berta Vázquez,  Chino Darín,  Vicky Luengo,  Miki Esparbé,  Irene Escolar, Josep Maria Pou,  Andrea Ros,  Juan Betancourt
Género: Comedia romántica.
Salas:Cinesa y Peñacastillo.

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Es ingeniosa pero exprime la idea hasta lo cansino. Es arriesgada en sus planateamientos aunque pierde fuelle en su desarrollo, como si la celebración de lo formal tapara en excesos discursivos la vida de sus criaturas. Es valiente pero quizás acabe por mirarse demasiado el ombligo. El eterno juego de las relaciones de pareja es adoptado por Mateo Gil como una elucubración simbólica y metafórica de las formas de  la energía, la acción mecánica del calor y el electromagnetismo. En este sentido estamos ante una comedia romántica con mucha física ‘cuéntica’ (de contar) y química escasa. El director y guionista, de carrera corta pero sólida, siempre singular y cambiante en la elección de géneros y poco amigo de los encasillamientos, convierte ‘Las leyes de la termodinámica’ en un un falso documental vertebrado por  declaraciones y testimonios de especialistas en la materia, mientras discurre en paralelo un intercambio de sentimientos y  sensaciones, entre parejas cruzadas, en las que el azar y el determinismo, la ansiedad y el método conviven y colisionan. El director de ‘Nadie concoce a nadie’ se plantea su documento como si fuese la fiesta de una clase de física bajo la cual asomaran sucesivamente todas las hipótesis posibles sobre el amor y el desamor. Mateo Gil, que incluye un cameo y guiño al cineasta cántabro Daniel Sánchez Arévalo, se postula juguetón y su esquema de película dentro de película es atractivo. Y, sin embargo, la reiteración, los excesos discursivos centrados en una voz en off que, desde el inicio, hace de portavoz de las situaciones, chirría en ocasiones y acaba por mostrarse como una lección engolada sobre armonía, crisis y extinción sentimental. Hay encanto e ingenio en muchos casos, pero el director de ‘Blackthorn’ estruja la invención y el artefacto, siempre estimulante y seductor, se antoja también agotador y plano. Triunfa el hecho de que la comedia  nunca oculta que tras la cara amable reside un poso de amargura, de insatisfacción frente a la plenitud aparente. Se revela tan insistente el factor dominante documental y formal que el creador deja desasistida la comedia afectada también por un reparto desigual. Hay algunos golpes de estilo que de haberse encajado con coherencia hubieran evitado su tono de simple ocurrencia. El atrevimiento y la osadía quedan adheridas a la idea que atraviesa la ficción y se diluyen en su desarrollo. Hay muchos átomos de virtuosismo en esta apuesta, pero también un engranaje mecánico que deja ver su fórmula. Más juego de pizarra que tiza emocional. Más física que química.
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buscar mujeres solteras de ecuador La casa torcida
Crooked House 2017 115 min. Reino Unido.
Dirección: Gilles Paquet-Brenner. Guion: Julian Fellowes (Novela: Agatha Christie).
Música: Hugo de Chaire. Fotografía: Sebastian Winterø.
Reparto: Glenn Close, Terence Stamp, Christina Hendricks,  Gillian Anderson, Max Irons, Stefanie Martini,  Amanda Abbington,  Julian Sands.
Género: Intriga. | Salas: Cinesa y Peñacastillo

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Su ropaje es atractivo y cuidado pero no puede ocultar la limitada vulgaridad de su  planteamiento. De nuevo el mayor enemigo de Agatha Christie es Agatha Christie. Todo en esta adaptación de ‘La casa torcida’ –la novela preferida de su autora–está despojado de hondura. Ni decadencia aristocrática ni desgarro psicológico ni catarsis. Todo es apariencia de sombra y suspense e intriga de salón. Reina el juego de mesa y la sensación de ‘cluedo’ y se echa de menos la profundidad de un cine destinado a zarandear a sus criaturas. El asesino, se sabe desde el comienzo, es el aburrimiento. Segunda adaptación de una obra de Agatha Christie en un mismo año, tras la versión de ‘Asesinato en el Orient Express’ a cargo de Kenneth Branagh. Aquí el deterioro moral, la diversidad de personajes, el contraste entre un mundo que se va y otro que se anuncia…nada es aprovechado por Gilles Paquet-Brenner, cineasta de ‘Las cosas bellas’ y ‘La llave de Sarah’, quien se muestra tan académico y pulcro como monótono, reiterativo y falto de intensidad. Previsible y mecánica, la cinta tiene el mismo carisma que su protagonista, un Max Irons atorado y prosaico, ambos presos de ese estado plano, exento de gracia y tan desmayado que no se corresponde con el monstruo que se esconde en cada uno de los potenciales asesinos. El filme trata al espectador como si fuese un apasionado concursante al que se le propone averiguar un sodoku criminal en una hora y tres cuartos donde el misterio, la deducción detectivesca y el ambiente malsano están cortados por el mismo patrón: una sensación de desidia y desgana. El cineasta alarga la trama apartándose de ella con aspectos colaterales y tan solo pone un poco de brío el personaje de Glenn Close, aunque alguien debiera decirle que deje de encarnar a Cruella de Vil. Paquet-Brenner nunca saca partido de la veta de la ironía ni de ese juego teatral, dramático, de personajes deseosos de aniquilarse unos a otros verbalmente. Solo una cena en familia, rodada con escaso pulso, es una excepción en este filme de idas y venidas que vuelve a caer en la trampa de depositar toda su fe en la sorpresa final, en el revés y en lo inesperado, después de un metraje tan convencional como insípido. La elegancia y la perversión que solo casan en los grandes son en este caso meros elementos decorativos. Falta atrevimiento para ser rupturista y el ritmo es tan descafeinado que cualquier relámpago de paisaje o detalle costumbrista se postula como deslumbrante. El aire funcionarial y funcional puede venir bien para un juego de mesa pero en esta adaptación solo sirve para subrayar lo impostado y teatral y pensar erróneamente que su escritora es cosa del pasado.
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agencias matrimoniales en medellin Una razón brillante
Le brio. 2017. 95 min. Francia.
Dirección: Yvan Attal. Música: Michael Brook.
Fotografía: Rémy Chevrin.Reparto: Daniel Auteuil,  Camélia Jordana,  Jacques Brel,  Serge Gainsbourg,  Romain Gary, Yvonne Gradelet, Yasin Houicha.
Género: Comedia | Salas. Peñacastillo

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Las palabras mecen, estremecen, hieren, extrañan, queman. También gobiernan, provocan, disponen, manejan…En un tiempo de imágenes, desde los memes invasivos y grotescos a la superposición apresurada de iconos, el último guiño taquillero del cine francés es una caricaturesca, eficaz y pegadiza reivindicación del uso de la palabra, la oratoria y el arte de convencer. En la tradición de las relaciones imposibles, los contrastes educativos y los trayectos iniciáticos y de aprendizaje, ‘Una razón brillante’, sostenida sobre todo por la química de la pareja protagonista, es un agitado encuentro profesor alumna entre citas de clásicos y retratos superficiales de barrio de la periferia. Entre Schopenhauer y los suburbios. Entre latinajos y la banlieue parisina. En tiempos en los que la ultraderecha francesa ha tomado posiciones inquietantes en el devenir del país vecino quizás este filme, juguetón, aparentemente sencillo, se postule como necesario. Una defensa de la palabra, del sentido crítico como camino de libertad y ejercicio dramedia impulsiva con dos excelentes intérpretes al frente. Un perfil que también reclama atención sobre la necesidad del maestro y guía en tiempos gregarios, de redes y enredaderas de manipulación y policías del pensamiento. Yvan Atta, cineasta de ‘Están por todas partes’, opta por una realización que escapa de la comedia francesa al uso pero se muestra limitado a la hora de aportar originalidad y fuerza a ese paisaje de contrarios en el que basa la trama: entre lo oficial y lo marginal, lo académico y la calle, el profesor machista y racista y la alumna que se muestra distante y escéptica con la integración social. No hay tiempos muertos en ‘Una razón brillante’. Desde la llegada al aula de la joven en su primera incursión universitaria el filme evita lo superfluo y abre el combate cara a cara de la pareja, tan obvio y eficaz como instalado e integrado en la cultura de masas. La película se abre con imágenes de archivo y significativas declaraciones de Serge Gainsbourg y Jacques Brel, por ejemplo. Una determinada militancia en lo corrosivo que se vuelve luego mainstream de cabecera, aunque la cinta nunca deje de ser interesante. El juego con ‘My fair lady’ y el mito de Pigmalión, de ‘Rebelión en las aulas’ a ‘Educando a Rita’, funciona pero no deja de ser un resorte que frena lo esencial. Ese perfume de ataque a lo políticamente correcto y de batalla dialéctica a medida que avanza la trama se va domesticando. Daniel Auteuil y Camélia Jordana encarnan con convicción y serena seducción el equilibrio entre la inteligencia y lo emocional. A la espera de ‘El buen maestro’, otra incursión del cine francés en la educación, vale la pena detenerse en este duelo por dominar el verbo en un mundo de imágenes. Al cabo, lo mejor del filme es escuchar al protagonista recitar, como una isla mágica, los versos de Baudelaire en ‘Las flores del mal’. Eso sí que es resistencia, rebelión e incorrección.
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2018 107 min. EE UU. Dirección. Brad Peyton.
Guion. Ryan Engle, Ryan Condal, Carlton Cuse.
Música: Andrew Lockington. Fotografía: Jaron Presant.
Reparto: Dwayne «The Rock» Johnson,  Naomie Harris, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman.
Género: Acción. | Salas. Cinesa y Peñacastillo

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Especie de sopa de géneros con ‘La Roca’ ejerciendo  de master chef. Y ya se sabe, cuando Dwayne Johnson está al frente todas las película se parecen. Aquí se presenta a unos animales que mutan en bestias apocalípticas y exterminadoras y a unos humanos militaristas y con aviesas intenciones de holocausto, lo que los hace aún más bestias. Nada nuevo. La sensación tan pronto es la de estar invitado a una película equivocada como la de haber quedado atrapado en un parque temático revisitado. ‘Proyecto rampage’, algún nombre había que ponerle, responde fielmente a la trayectoria de su director, Brad Peyton, responsable de viajar por segunda vez al centro de la tierra, y de firmar ‘San Andrés’ y ‘El exterminador’ con idéntico espíritu finalista y especial predilección argumental por los helicópteros. El batiburrillo de la casa que se marcan cineasta y actor no tiene sorpresas ni engaña: una dialéctica entre cine de catástrofes, guiños a las metáforas apocalípticas de la guerra y los productos de serie B y un modesto pero efectivo despliegue de fantástico digital con ciudad dentro: en este caso Chicago, que recibe todas las bofetadas digitales imaginables por tierra, mar y aire. La cinta es pelín monótona pero nunca trata de parecerse a lo que no es. Parte de un episodio espacial, se detiene en las grandes corporaciones de la ciencia ficción, fantasea sobre el ADN y acaba homenajeando a King Kong en un consomé de aventuras, acción y terror, entre militares, primatólogos, agentes especiales, pérfidas portadoras del mal y animales mutantes. Y lo que es peor, o mejor, sin que puedan distinguirse unos de otros. The Rock, en modo inmortal, parece un súper héroe de la Marvel pero sin necesidad de atuendo más que la testosterona y los músculos de emprendedor de la cosa física que se gasta el actor, tan limitado como simpático. El arranque, en plan despiste y pastiche a recientes producciones de ciencia ficción, y ese plano cenital del gorila albino gigante zampándose a una criatura permiten explotar la veta lúdica del filme donde la mayor comunicación también es mixta: la de gorila y Roca que podría reproducirse en alguna de las zonas de Cabárceno. Hasta cuatro guionistas ha merecido este festival desconcertante, sopa de géneros o sudoku inspirado en un videojuego, que pasa de superproducción fantástica familiar a juego de tronos animalista y gore con suma facilidad. Si se acepta el experimento genético y el, poco imaginativo, cinematográfico, uno hasta puede acabar intercambiando gestos con el simio protagonista y con el que lleva dentro.
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2018 140 min.EE UU Dirección: Steven Spielberg.
Guion: Ernest Cline, Zak Penn (Novela: Ernest Cline).
Música: Alan Silvestri. Fotografía: Janusz Kaminski.
Reparto: Tye Sheridan,  Olivia Cooke,  Ben Mendelsohn,  Mark Rylance,  Simon Pegg, T.J. Miller,  Hannah John-Kamen,  Win Morisaki,  Philip Zhao,  Julia Nickson, Kae Alexander.
Género: Ciencia ficción. | Salas: Cinesa y Peñacastillo

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Todo en esta película vibrante, elogio del entretenimiento, pulsión lúdico futurista, es un juego. Del acceso al game over, de los lenguajes solapados a la superación de pruebas, del miedo a perder a la locura competitiva. Y en este campo minado el cineasta mezcla, con una planificación extrema, devociones, querencias, guiños, homenajes, lecturas, iconos, gustos, miedos, voces… ‘Ready player one’ es una deuda de infancia y adolescencia del Steven Spielberg que cruza sin pasaporte las fronteras entre el niño y el adulto. Es también un juego distópico con advertencia en sus instrucciones para evitar que realidad y virtualidad no se fundan y confundan en material indefinido y sean ambas equilibradas por la materia de los sueños. Con un arranque deslumbrante y autoridad y contundencia a la hora de describir y narrar dos mundos solapados, engarzados y en permanente colisión, el último Spielberg (que custodia y desnuda el ADN del cineasta de siempre) es un prodigio visual, cazador de subtextos e historias pequeñas que van alimentando la computadora central del espectador/jugador/voyeur/persona real y avatar. El director de ‘Tiburón’ accede al espectador para hackear recuerdos y opera a corazón abierto sin más anestesia que la nostalgia, con la cirugía capaz de generar imágenes hasta la desmesura y con una intensa y permanente invitación a integrarse en lo narrado en una continua imitación a la vida. El preludio ambientado en esa periferia caótica de 2045, no muy diferente de algunas megaurbes de este inicio de milenio; la primera carrera de vehículos; las transiciones y alternativas entre el mundo real y virtual;  el juego de identidades y ese sentido del humor que lima la gravedad pero que no deja huir a la trascendencia, alimentan esta ópera de videojuego que enfatiza la cultura de los ochenta y deja un aria pendiente para que cada uno incluya su propia prueba personal. El mago primerizo de ‘Duel’ y el narrador total de ‘Lincoln’ residen ambos en este aparato nada artificial, lúdico e hiperactivo que se imagina, incluye y sueña a sí mismo y en cuya partida subyace un constante regreso al futuro, fascinante y demoledor en su agigantado pero meticuloso gabinete de curiosidades. Una asombrosa puesta en escena que incluye homenajes geniales como el de ‘El resplandor’ de Kubrick y que somete el filme a una constante agitación de ligereza, de aparente superficialidad, del mensaje obvio al masaje de amor al cine. Cada Alicia de nosotros, fragmentada o no, cruza todos los espejos del amo del calabozo y del mago de la función. Del Delorean al cubo de Rubick, de Alien a Duran Duran, de Freddy Krueger a Fiebre del sábado noche, Spielberg se mira en su propio espejo y nos refleja. Una inteligente fábula infantil que sobrevuela trepidante los márgenes de los epicentros y también lo marginal y periférico de la realidad y la ficción. Un canto real, virtual, vintage, definitivamente incesante, a la imaginación, tan febril y doloroso como sabio y lúcido.
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Den of Thievesaka . 2018 140 min. EE UU.
Dirección: Christian Gudegast. Guion: Gudegast y Paul Scheuring.
Música: Cliff Martinez. Fotografía: Terry Stacey.
Reparto: Gerard Butler,  Pablo Schreiber,  O’Shea Jackson Jr., Curtis ‘50 Cent’ Jackson, Sonya Balmores,  Maurice Compte,  Evan Jones,  Brian Van Holt, Jordan Bridges.
Género: Acción dia. | Cinesa y Peñacastillo.

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Lo del atraco perfecto es un subgénero tan trillado como fértil. El debutante Christian Gudegast ha optado por un acercamiento al relato de robo ambicioso con tanta energía como desidia en el guión y con tanta entrega física como dejadez en lo psicológico. ‘Juego de ladrones’ es un filme de excesos y, en este sentido, puede postularse como paradigma del presente, al menos el de la gran industria: un metraje sobredimensionado e injustificado y una narración desbordada de artificios. Como crónica impulsiva y visceral la película funciona con eficacia pero queda traicionada por esa querencia por la desmesura. Por si el espectador es tonto, algo de lo que siempre parten los distribuidores y otros eslabones de la cosa, a la opera prima le han añadido el subtítulo de ‘atraco perfecto’, lo que ya es obvio y transparente tras el primer golpe de efectismo. Ambientada en Los Angeles, con factores y elementos tan llamativos unos, como escasamente creíbles otros, la cinta discurre rimbombante, urbana, callejera e impactante. Pero su empeño en la reiteración, su discurso competitivo feroz pero, en muchas ocasiones, vacío, provoca chirridos constantes. El filme se asemeja a uno de esos tubos de escape de vehículos preparados hasta minuciosamente pero que luego solo exhibe ardor guerrero. En ‘Juego de ladrones’, con un caricaturesco y desaforado Gerald Butler al frente –que aún cree estar viviendo la epopeya de ‘300’ , toda la trama y sus protagonistas parecen inmersos en una empastillada reunión de dos bandos musculosos y armados. Todo el filme es, en definitiva, una acumulación de masa muscular y anabolizantes donde las palabras son sustituidas por armas y el suspense es una estirada prótesis blindada por un toque de astucia (más bien de engaño) que envuelve un tramo final de nuevo envuelto en la hipérbole. Gana enteros el juego cuando se echa mano de situaciones límite en un montaje paralelo, constrastando planificaciones y hechos entre quienes actúan en nombre de la ley y quienes la transgreden. Un western de camuflaje que algunos han querido irrisoriamente comparar con ‘Heat’. Ni las implicaciones familiares y emocionales transmiten verdad ni la tormenta perfecta de tiroteos con envoltura bélica son suficientes para simular un artefacto que provoca cansancio pese a su chute de proteínas. ‘Den of  Thieves’ es un catálogo de cromos de ritmo monótono y machismo militante, hiperviolento, que llega a confundir la acción con la testosterona.
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Bilbao (1962). Licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense. Ser periodista no es una profesión, sino una condición. Y siempre un oficio sobre lo cotidiano. Cambia el formato pero la perspectiva es la misma: contar historias.